Ciclo Carlos Saura por EuropaEuropa

A partir del miércoles 1° de enero de 2014, la señal de cable EuropaEuropa dedicará una retrospectiva dedicada a Carlos Saura, integrada por cuatro de las películas más destacadas de este prolífico cineasta español, todas ellas producidas por el gran Elías Querejeta.

Programación:

La prima Angélica (1973)

Luis vuelve a su pueblo natal para enterrar a su madre, y allí rememora su infancia y su adolescencia, sobre todo el amor hacia su prima Angélica. Poco a poco, un pasado que creía superado vuelve a aparecer con increíble materialidad.

Miércoles 1º a las 22 hs (Repite: Sábado 4 a las 23.50 hs)

Cría cuervos (1975)

Ana (Geraldine Chaplin) se dirige a la cámara y recuerda su vida desde el momento en que vio morir a su padre, veinte años antes. La estupenda Ana Torrent vuelve a inquietarnos con sus ojos enormes e inquietantes.

Miércoles 8 a las 22 hs (Repite: Sábado 11 a las 23.50 hs)

Mamá cumple cien años (1979)

"La gran madre" (la emblemática Rafaela Aparicio) va a cumplir 100 años. Los preparativos de la fiesta y las tensas relaciones entre los distintos personajes debido a sus obsesiones y frustraciones configuran esta alegoría de la España de su tiempo.

Miércoles 15 a las 22 hs (Repite: Sábado 18 a las 24 hs)

Deprisa, deprisa (1980)

Saura vuelve a los paisajes de desesperación y precariedad de su primer largometraje, Los Golfos, con este relato sobre cuatro muchachos que quieren escapar de la realidad en la que viven.

Miércoles 22 a las 22 hs (Repite: Sábado 25 a las 23.45 hs)

Lo efímero

"¿Quién necesita hoy cosas bellas, Claudia? 

¿Cuánto duran?"

Sandro (Gabriele Ferzetti),

en el film L'Avventura, de Michelangelo Antonioni

Parpadeos

Solo hay tres clases de ciegos, ¿o tres no es el número perfecto? Está ese al que no hay explosión ni asamblea de luciérnagas que lo saquen de la sombra profunda. Está el otro, el que aún ciego, conserva un esbozo de penumbra y al resplandor de un fósforo queda de pronto en éxtasis y bajo la luz furiosa del mediodía cree que los ojos le vuelan. Y finalmente está aquel, el ciego que palpa afanoso los contornos, las grietas, los movimientos y temblores de los breves mundos. Ese, el tercero, es el amante.

Eugenio Mandrini

La fotografía es de Édouard Boubat

Definiciones

"¿La dignidad es un perfume?"

Rossa (Maya Sansa),

en el film Bella Addormentata, de Marco Bellocchio

TOP 15 - Estrenos 2013

Otro año está por terminar, y otra vez me puse a armar listas. Un poco por tradición, otro poco para jugar y hacer memoria. Estos son los estrenos que más me gustaron.

 1 - Antes de la medioanoche (Before midnight), de Richard Linklater
 2 - Gravedad (Gravity), de Alfonso Cuarón
 3 - Bella addormentata, de Marco Bellocchio
 4 - Amour, de Michael Haneke
 5 - The Master, de Paul Thomas Anderson
 6 - Capitán Phillips (Captain Phillips), de Paul Greengrass
 7 - Tabú, de Miguel Gomes
 8 - Blue Jasmine, de Woody Allen
 9 - El vuelo (Flight), de Robert Zemeckis
10 - La chica del sur, de José Luis García
11 - Declaración de vida (La guerre est déclarée), de Valérie Donzelli
12 - Django sin cadenas (Django unchained), de Quentin Tarantino
13 - Tanta agua, de Leticia Jorge y Ana Guevara
14 - Una segunda oportunidad (Enough said), de Nicole Holofcener
15 - La reconstrucción, de Juan Taratuto

Otras películas que tienen lo suyo: 
Lincoln, de Steven Spielberg
César debe morir (Cesare deve morire), de Paolo y Vittorio Taviani
Barbara, de Christian Petzold
Los elegidos (Dark skies), de Scott Stewart
Girimunho, de Clarissa Campolina y Helvécio Marins Jr.
La cabaña del terror (The cabin in the woods), de Drew Goddard
Villegas, de Gonzalo Tobal
La noche más oscura (Zero Dark Thrity), de Kathryn Bigelow
La hermana (L'enfant d'en haut), de Ursula Meier
La cacería (The Hunt), de Thomas Vinterberg
Lazos perversos (Stoker), Park Chan-wook
Jack Reacher, de Christopher McQuarrie
Algunas horas de primavera (Quelques heures de printemps), de Stéphane Brizé

Deudas importantes:
Viola, de Matías Piñeiro
P3ND3JO5, de Raúl Perrone
El gran simulador, de Néstor Frenkel
Spring Breakers, de Harmony Korine
Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas
Caíto, de Guillermo Pfening
Reality, de Matteo Garrone

¿Cuál fue la película del año para ustedes?

Desde un ángulo desconocido

 

"¿Alguna vez has visto una foto de ti mismo que alguien te tomó sin que te dieras cuenta? Desde un ángulo que no ves cuando te miras al espejo. Y piensas: Esa soy yo... esa también soy yo."

India (Mia Wasikowska)
en el film Lazos perversos (Stoker), de Park Chan-wook

Dilema

“La cuestión era esta: ¿qué valía más? ¿Rendirme a la tentación, escuchar la voz de las pasiones, dejarme caer en una trampa de seda, dormirme sobre las flores que la cubrían, despertarme en un clima meridional, en una villa lujosa, vivir en Francia como amante de Rochester, delirar de amor -porque él me amaba, sí, como nadie más volvería a amarme, ya que el homenaje amoroso se rinde sólo a la belleza y la gracia, y ningún otro hombre que él podría sentirse orgulloso de mí, que carecía de tales encantos- o...? Pero, ¿qué decía? ¿Podía comparar la ignominia de ser esclava en un loco paraíso, en el Sur, y gozar una hora de fiebre amorosa para despertar a la realidad anegada en lágrimas de remordimiento, con ser maestra de aldea, honrada y libre, en un rincón de las montañas de Inglaterra?” 

Charlotte Brontë (“Jane Eyre”) 

En la imagen: la versión de Jane Eyre dirigida por Robert Stevenson (1943). Quien interpreta a Jane es Joan Fontaine, actriz fallecida el último domingo. Una película hermosa para una historia exquisita.

Enciclopedismo

 

Howard: Te escuché decir que tu libro trata de la supervivencia.

Peter: Sí, bueno, no exactamente. Trata de... trata un poco de todo.

Howard: ¿En serio? Como la Enciclopedia Británica.

Denholm Elliott (Howard) y Sam Waterston (Peter) en
Septiembre, de Woody Allen

Peter O'Toole

(1932-2013)

Mar del Plata 2013 - Lumpen / Tres muertos

Lumpen (Argentina, 2013)
Dirección: Luis Ziembrowski
Sección: Panorama argentino
Tres muertos (Argentina, 2013)
Dirección: Iñaki Dubourg y Jerónimo Atehortúa Arteaga
Sección: Competencia argentina

Debut en el largometraje del actor Luis Ziembrowski, Lumpen es un film que incomoda, irrita, raspa, satura. Por momentos parece anclado en cierta estética orgullosamente marginal propia de otra época, con esa fusión de grotesco y sordidez sobreactuada que uno podría asociar a un Jorge Polaco, por ejemplo. Al mismo tiempo, las pretensiones reflexivas de Lumpen sobre el tema del cine dentro del cine inflan el relato y lo vuelven confuso y deshilachado hasta la extenuación. Estamos en alguna esquina derruida del conurbano bonaerense, un foco de roña y fascismo en donde Bruno (Sergio Boris) intenta sobrevivir junto a su hijo adolescente (Alan Daicz), lidiando con diversos personajes siniestros que habitan el barrio. Mientras el chico se obsesiona con una cámara filmadora que pertenecía a su padre, éste se interna en un laberinto de paranoia al sentir que no puede proteger a su hijo en ese escenario de miserias.

Todo indica que la historia transcurre a comienzos de 2002, en aquella extrañísima Argentina en donde la incertidumbre política buscaba sosiego en las asambleas vecinales. En la ficción se lee claramente ese marco de protestas y ansiedad (animado por una esperpéntica militante trotskista), pero aquí lo interesante es que este contexto se sugiere principalmente a través de una meticulosa percusión (bombos, tiros, arengas callejeras, noticias en la tele o en la radio) que inflama el fuera de campo y logra transmitir la angustia de ese tiempo histórico particular. El punto más alto del film reside sin dudas en el fértil tejido de la banda sonora.

“No estoy contando la película desde el punto de vista de los héroes, sino desde el lado de los canallas”, dijo Luis Ziembrowski en la charla posterior a la proyección del film, decisión de riesgo que el relato lleva hasta sus últimas consecuencias al hacer que todos los personajes nos generen algún grado de rechazo o desconfianza. Lo reitero: ver Lumpen fue una experiencia agotadora. Y sin embargo, a pesar de sus debilidades, hoy se me aparece como una película increíblemente urgente y pegajosa. Uno no puede desprenderse de esas imágenes rabiosas que retornan una y otra vez como si fueran martillazos, y es justamente esa capacidad para agitar la percepción -y las ideas- lo que distingue a Lumpen de otras indolentes óperas primas nacionales que compitieron en este festival. La diferencia central es que esta película está viva. Respira. Es la obra desesperada y honesta de un artista hambriento, que necesita aullar y que está dispuesto a sangrar.

En el extremo opuesto al barroquismo de Lumpen encontramos el culto al vaciamiento dramático que propone Tres muertos, film debut de Iñaki Dubourg y Jerónimo Atehortúa Arteaga, egresados de la Universidad del Cine. La escena inicial muestra a tres jóvenes enterrando un cadáver. No se los nota entrenados en la tarea. No son profesionales, digamos. Enseguida la narración pasa a explicarnos cómo llegaron ahí. Los muchachos (interpretados por Julián Tello, Ignacio Sánchez Mestre y Julián Larquier) son tres amigos que tal vez ya rocen la treintena aunque se comportan como chicos de quince años. Luego de una fiesta nocturna que sirve como presentación del vínculo, los personajes se lanzan a la ruta pampeana hasta llegar a una enorme estancia perteneciente a la familia de uno de ellos, con el plan de pasar el fin de semana. Algo ocurre allí. Y punto.

La idea principal es mostrar que los personajes no reaccionan ante la tragedia de la forma esperada (realista), pues son tres cascotes despojados de todo nervio humano. ¿Extraterrestres? ¿Niños ricos con tristeza? No, apenas son los inanes artefactos de una ficción que se pretende cool y autoconsciente (de allí que los personajes miren a cámara durante un largo rato en un momento clave), para lo cual recicla estrategias demasiado visitadas por el Nuevo Cine Argentino. Junto al cansino diálogo sobre “la caza del hombre” hay que contemplar las alusiones a Easy Rider y a Deliverance, apuntes cinéfilos y sociológicos colocados para plantear inquietudes sobre la relación del hombre con la violencia. Pero la película fracasa porque nunca logra rasgar la densa capa de irrelevancia que recubre el relato, con tres sujetos que compiten entre sí para ver quién es más imbécil que el otro. Y aunque seguramente califiquen de canallas, como los protagonistas de Lumpen, los chicos de Tres muertos son tan nulos que ni siquiera alcanzan el grado cero de la existencia cinematográfica (y vale aclarar que los actores están bien). ¿Qué querían contar los realizadores cuando modelaron estos personajes? Quizás buscaban una radiografía de cierta juventud contemporánea, aunque convengamos que no hay demasiado margen para la sorpresa o la reflexión si los personajes ya quedan directamente condenados en el mismo título del film.

La tristeza del arte

Por Fernando Pessoa*

Aún existe el preconcepto -nacido o considerado solamente en las formas inferiores del arte, o considerado como inferior a cualquiera de ellas- de que el arte debe ser fuente de alegría o de placer. Que nadie imagine, al olvidar los elevados fines del arte, que el arte supremo debe proporcionarle alegría, o, incluso cuando le satisfaga, satisfacción. Si el arte ínfimo tiene por objetivo entretener, si el arte medio tiene por finalidad embellecer, el fin del arte supremo es elevar. Por este motivo el arte superior es, al contrario de los otros dos, profundamente triste. Elevar es deshumanizar, y el hombre no se siente feliz donde ya no se siente hombre. Es cierto que el gran arte es humano; el hombre, sin embargo, es más humano que el arte.

El arte nos entristece en otro aspecto. Nos recuerda constantemente nuestra imperfección, ya porque al parecernos perfecto se opone a nuestra imperfección, ya porque el hecho de que ni siquiera el arte es perfecto es la señal de nuestra mayor imperfección.

*Fragmento de su ensayo "La cultura es el perfeccionamiento subjetivo de la vida". (Ir al texto completo).

La imagen pertenece a High & Low (Tengoku to jigoku), extraordinaria película dirigida por Akira Kurosawa.

Geografía de la soledad

Por Lucrecia Martel*

¿De dónde sale la voluntad de narrar? ¿Qué es lo que lleva a una persona a contar cosas a través de un lenguaje determinado? Hay algo sublime que se produce en la conversación y que aparece también, de alguna manera, en la intención de filmar una película: ahí en donde todos los dispositivos de producción dejan de tener sentido y lo único que importa, lo único que vale es el momento en que alguien ve lo que hiciste. El lenguaje surge de esa necesidad. Y el cine también. El cuerpo es una geografía de una soledad absoluta. Uno está en un lugar en donde nadie más puede estar. Es imposible que alguien se ponga en el lugar de uno. Pero existen estos pequeños trucos que hemos inventado y que, por unos instantes, de manera imperfecta, logran poner al otro en el cuerpo de uno. Permiten compartir lo imposible, permiten salvar esa soledad a la que uno está condenado de principio a fin.

*Fragmento de una entrevista publicada en el libro Estudio crítico sobre La Ciénaga, de David Oubiña (Ed. Picnic).

Nuevo Cine Danés en el Museo del Cine

El Museo del Cine “Pablo C. Ducrós Hicken” cierra la temporada cinematográfica 2013 con el ciclo SOMBRAS Y LUCES, UNA MIRADA AL NUEVO CINE DANÉS, compuesto por ocho películas destacadas dentro de la más interesante y reciente producción proveniente del país europeo. Organizado en colaboración con la Embajada de Dinamarca, el ciclo se desarrollará desde el sábado 7 al domingo 29 de diciembre, todos los sábados y domingos del mes a las 16 hs, en la nueva sede del Museo del Cine (Caffarena 49).

Programa:

Sábado 7: 

Solo otra historia de amor, de Ole Bornedal (2008, 100')

Un hombre casado y con hijos tiene una vida placentera, hasta el día que sufre un espectacular accidente de tránsito. Aunque él no sufre mayores heridas, quedará inevitablemente ligado a la otra persona involucrada en el choque.

Domingo 8: 

Aplausos, de Martin Zandvliet (2009, 85')

Una madura y aclamada actriz (la gran Paprika Steen) termina su rehabilitación al alcoholismo y se enfrenta a la difícil misión de recuperar la custodia de sus hijos.

Sábado 14: 

Flame y Citron, de Ole Christian Madsen (2008, 130')

Narra la historia de dos héroes de la resistencia danesa en Copenhague, tras la ocupación alemana el 9 de Abril de 1940.

Domingo 15: 

La Hermandad, de Nicolo Donato (2009, 90')

Un hombre busca su lugar en el mundo y encuentra el amor en el peligroso marco de una secta fascista. 

Sábado 21: 

El silencio de la niña, de Hella Joff (2009, 85')

Cuatro chicas internadas en un centro de rehabilitación se embarcan en un viaje redentor por las carreteras de Dinamarca.

Domingo 22:

Submarino, de Thomas Vinterberg (2010, 110')

El director de La celebración narra en este film la historia de Nick, un hombre que intenta

convivir con el recuerdo de las tragedias que sufrió desde niño.

Sábado 28: 

Luchadora, de Natasha Arthy (2007, 97')

Aicha, un joven estudiante de medicina, descubre su fascinación por el mundo del kung-fu y quiere dedicarse a él, confrontando el deseo de sus padres.

Domingo 29: 

Terriblemente feliz, de Henrik Ruben Genz (2008, 90')

A Robert, un policía de Copenhague con problemas de conducta, le asignan cumplir servicio en una pequeña ciudad, y su llegada genera una extraña curiosidad en los habitantes locales, dueños de inquietantes secretos.

Todas las funciones se realizan a las 16 hs en Museo del Cine (Caffarena 49, barrio de La Boca), con entrada libre y gratuita. Para más detalles sobre las películas, visitar la web del Museo.

Mar del Plata 2013 - Bright Day

Bright Day (Rooz e Roshan / Irán, 2013)
Dirección: Hossein Shahabi
Sección: Competencia internacional 

“She calls out to the man on the street:

Sir, can you help me?” 

Así comienza “Another day in paradise”, la canción de Phil Collins que se escucha en la última escena de Bright Day, acordes que nos devuelven fugazmente al inicio del film, como para recordarnos que toda esta historia fue posible porque esta vez el desconocido dijo que sí, que quería ayudar (a diferencia de la canción…he walks on, doesn’t look back). Él es Kiani (Mehran Ahmadi), un remisero a quien una mujer le pide que la acompañe en un angustiante raid por la ciudad de Teherán. Ella es Farhoudi (Pantea Bahram), una maestra que quiere evitar que el padre de un alumno sea condenado injustamente por homicidio: su misión es convencer a los testigos para que declaren a favor del acusado. Debe probar que se trató de un accidente y tiene una pocas horas para lograrlo. La sentencia llegará esa misma noche.

Toda la acción se desarrolla en el interior del auto y en las calles de la ciudad, pero lo singular aquí es que el drama gravita en torno de un incidente del pasado que nunca presenciamos y al que sólo accedemos a través de las sesgadas alusiones verbales de los personajes, una "escena del crimen" que muta en nuestra mente ante cada nuevo diálogo, ante cada mirada que busca esconderse. Es la palabra de uno contra la del otro. Discusiones, confesiones, plano y contraplano: éste es el diseño básico de la ópera prima de Hossein Shahabi. Al tener como eje el diálogo confrontativo y las repercusiones incontrolables producidas por un episodio elidido, la película remite al estilo de otro iraní, el realizador de La separación, Asghar Farhadi. Claro que Farhadi tiene aquello que precisamente a su colega le falta: seguridad narrativa. El objetivo de Bright Day es exponer la corrupción que reina en Irán y la connivencia entre el poder económico y el sistema judicial, pero la denuncia política termina disolviéndose en medio de las constantes oscilaciones del relato y el desfile de personajes poco definidos. El blanco de la furia se fragmenta y la crítica se debilita al volverse demasiado indirecta.

Al mismo tiempo, lo más rico del film no pasa tanto por el caso en sí mismo sino por el registro de las voluntades que llevan a los sujetos a entregarlo todo en su reclamo de justicia. O a elegir el silencio, en el otro extremo. Sería difícil comprender el enganche inmediato que el remisero tiene con el conflicto si no fuera porque intuimos cierta atracción hacia la maestra. Y lo mismo sucede con ella y la relación oculta que la une al acusado. Nos gustaría creer que, en el fondo, el gesto puramente ético, racional y humanitario es posible en este mundo, y que estos personajes son simples ciudadanos desprotegidos conmovidos por una causa común... pero la película sugiere lo contrario. Lejos de todo idealismo, la sensación que deja el film es desoladora: no tenemos nada, salvo esa vehemencia imprevisible que sólo depende del deseo individual. Todo lo demás es miedo.

Quinta Semana del Cine Europeo en el Gaumont

Del 3 al 10 de diciembre en Cine Gaumont se realizará la quinta edición de Semana de Cine Europeo en Buenos Aires, presentada por el INCAA, en la que se exhibirán destacados títulos que aún no se han estrenado en el país. Como todos los años, el ciclo contará con la presencia de Thierry Fremaux, Director General del Festival de Cannes y este año lo acompañará Abdellatif Kechiche, director de "La vie d'Adele".

Programa:

La vie d'Adele, de Abdellatif Kechiche (Francia/Bélgica/España, 2013). Duración: 177 minutos.
La película narra la historia de Adele, una chica de 15 años cuyo mundo se transforma al conocer a Emma, una joven con el pelo azul, que le permitirá descubrir el deseo, y empezar a encontrarse como mujer y como ser adulto. Gran ganadora del último Festival de Cannes. 
Martes 3 a las 20 hs. (Solo con invitación)
Sabado 7 a las 20 hs.

Miele, de Valeria Golino (Italia). Duración: 96 minutos.
Irène vive sola en una casa a orillas del mar, no lejos de Roma. En su familia creen que estudia. En realidad, con el nombre de código MIELE, ayuda clandestinamente a personas en fase terminal a morir con dignidad.
Miercoles 4 a las 20 hs.
Domingo 8 a las 20 hs.

Borgman, de Alex van Warmerdam (Países Bajos, 2013). Duración: 113 minutos.
Camiel Borgman aparece en las calles tranquilas de una periferia acomodada para golpear en casa de una familia burguesa. ¿Quién es él? ¿Un sueño, un demonio, una alegoría?
Jueves 5 a las 20 hs.
Lunes 9 a las 20 hs.

La grande bellezza, de Paolo Sorrentino (Italia/Francia, 2013). Duración: 142 minutos
Damas de la aristocracia, arribistas, políticos, criminales de alto vuelo, periodistas, prelados, artistas e intelectuales - auténticos o supuestos - tejen la trama de este film, envueltos en una Babilonia desesperada que se agita en los palacios antiguos, las inmensas villas, las terrazas más hermosas de la ciudad.
Viernes 6 a las 20 hs.

Jeune & Jolie, de François Ozon (Francia, 2013). Duración: 95 minutos.
El nuevo film del prolífico Ozon pinta el retrato de un joven de 17 años a través de cuatro estaciones y cuatro canciones.
Sabado 7 de diciembre 18.15 hs.
Martes 10 de diciembre 20 hs.

Todas las funciones se realizan en el Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635). La información de prensa no indica el valor de las entradas.

Mar del Plata 2013 - Choele / Los insólitos peces gato

Choele (Argentina, 2013)
Dirección: Juan Sasiaín
Los insólitos peces gato (México, 2013)

Dirección: Claudia Sainte-Luce
Sección: Competencia Latinoamericana

Primer domingo del festival. Primeras dos películas exhibidas en la Competencia Latinoamericana. Llegábamos con todas las ganas de sorprendernos, o de empezar a entusiasmarnos, al menos. Pero ocurrió algo curioso y a la vez incómodo. Probablemente sintomático. En una escena de Choele, el púber protagonista le pide a una joven (unos diez o quince años mayor que él) que le enseñe a dar un beso en la boca. La escena en sí no tendría nada de memorable si no fuera porque la película proyectada justo antes de Choele, Los insólitos peces gato, había mostrado una escena similar, casi calcada: chico en el umbral de la adolescencia, chica linda con experiencia, madre ausente y el beso-ensayo-cliché. No es una mera coincidencia, sino la evidencia de que ciertas fórmulas anodinas del cine ternurista afligen incluso a aquellas películas que aspiran a lucir frescas y personales. 

Luego de co-dirigir junto a Federico Godfrid esa pequeña gran película llamada La Tigra, Chaco, Juan Sasiaín se lanza en solitario con un film en donde los arrobadores paisajes de Río Negro ocupan un rol central en el diseño de la ficción, a tal punto que en muchos momentos las acciones de los personajes parecerían importar menos que la forma en que los rayos del sol rebotan sobre el lente de la cámara. Por esta geografía de lagos, puentes y gozosos verdores corretea y se escabulle Coco (Lautaro Murray), a quien todavía le cuesta aceptar que papá (Leonardo Sbaraglia) no regresará nunca más con mamá (que tiene peso en el drama, aunque permanece siempre fuera de campo). Para colmo, papá ahora tiene una novia muy joven y bella (Guadalupe Docampo) por la cual Coco siente celos y fascinación. “No andes enamorándote así, a lo loco”, le dice al chico un carnicero del pueblo, un personaje que con su dicción y singularidad logra recuperar provisoriamente esa autenticidad artesanal que enaltecía La Tigra, Chaco y que no es tan fácil de hallar en el nuevo trabajo de Sasiaín. Porque Choele es un film esencialmente convencional, con intenciones nobles y un buen ritmo narrativo pero condicionado por su ostensible voluntad de agradar, con una música tan almibarada como invasiva y con clips ilustrativos del clásico candor infantil que se acercan más al efecto publicitario que a la emoción real que debería nacer naturalmente del devenir cinematográfico.

Al igual que Choele, la ópera prima de la mexicana Claudia Sainte-Luce, Los insólitos peces gato, podría insertarse en esa zona que los anglosajones denominan feel-good movies, la clase de películas que parten de un dolor profundo para luego matizarlo con adecuados atisbos de esperanza. Aunque se trate de un esquema muchas veces propicio para la manipulación del espectador, no creo que éste sea el caso. La realizadora quiere de verdad a sus personajes, los cuida, los deja respirar para que edifiquen sus subjetividades, y así consigue activar una empatía que se sostiene a lo largo de toda la película, más allá de algunas concesiones de guión ya mencionadas al inicio de esta nota. Y allí donde el film argentino prefiere el marco seguro de la fábula de iniciación, la película mexicana intenta en un principio preservar la ambigüedad sobre el contexto existencial de su protagonista, la veinteañera Claudia (Ximena Ayala). Debido a un malestar físico que no puede combatir, ella termina internada en un hospital en donde conoce a Martha (la notable Lisa Owen), una mujer que tiene cuatro hijos y padece HIV.

El cariño es instantáneo, y apenas Martha recibe el alta médica, le propone a Claudia ir a almorzar con los suyos en su casa. A través de un lúcido plano-secuencia, la cámara nos introduce en ese hogar desde la perspectiva de la invitada, quien flota en medio del bullicio familiar como si ese abrigo fuera algo totalmente ajeno a su imaginario. Y lo es, de hecho. Más tarde descubriremos hasta qué extremo la vida de esta muchacha está marcada por la soledad. Es la elegante enunciación fílmica, en esa primera reunión alrededor de la mesa, la que afirma la relevancia de ese espacio vacante que Claudia ahora viene a llenar. Un rol, un lugar, un esencia. Ella será, alternativamente, hija, amiga, hermana mayor, confidente y madre. La prueba de que la familia no brota de la sangre sino del afecto franco y de las funciones que el sujeto es capaz de asumir en esa red de solidaridad.

La película fluye con gracia, dueña de un humor tan sobrio como efectivo. Aunque las recaídas de la madre son recurrentes, llega un momento en que esos episodios están tan incorporados a la rutina que los hijos parecerían no tener real dimensión de la inminente pérdida. Y ahí es cuando la narración nos estremece al filtrar una escena en donde vemos cómo Wendy (Wendy Guillén), la hermana más chispeante del clan, se prepara un licuado con bananas, alcohol puro y pastillas de todo tipo. Claudia llega justo a tiempo para frenarla con un gesto sutil, sin emitir palabra, y entonces sí, la película se hace cargo del miedo que necesariamente se viene incubando en ese hogar. Es cierto que en diversos tramos de la historia y en el final el tono sobrevuela lo típicamente dulzón y colorido, pero eso no le quita mérito a la mirada inteligente y sensible que supo imponer la directora sobre el conjunto del film.

Curso: ANTONIONI / FELLINI - Enero y Febrero 2014

Tiempos Modernos:

Redescubriendo a 

Antonioni y Fellini

Taller de análisis cinematográfico

A cargo de Carolina Giudici. 

En enero, desde el jueves 9
En febrero, desde el miércoles 12

Cuatro encuentros, en el barrio de Almagro

Este taller propone una indagación en la obra de Michelangelo Antonioni y Federico Fellini, dos directores imprescindibles para comprender cómo y por qué el cine necesitó transformarse radicalmente a mediados del siglo xx. Nos concentraremos en la primera etapa de la producción de estos autores (1950-1965) para estudiar cuáles fueron sus principales aportes en la construcción del paradigma moderno de representación. En cada encuentro, además del recorrido histórico-teórico, haremos un análisis en profundidad de una película.*  

1- Herencia y superación del neorrealismo. La crisis del clasicismo y los nuevos regímenes narrativos. De la acción al vagabundeo. Los nuevos roles del hombre y la mujer en la ficción. El espacio psíquico interior. Análisis de El grito (1957)

2- La revolución del tiempo fílmico a partir de La aventura. El camino hacia la abstracción. Paisaje, subjetividad y… ¿progreso? Análisis de El desierto rojo (1964)

3- La realidad como artificio. La fascinación por las formas populares de representación. Deseo, mistificación y autoconciencia. Análisis de Las noches de Cabiria (1957)

4- Fellini, sus dobles fílmicos y sus mujeres. Del film-episodio al film-fresco. Hibridación de estilos. La conquista de lo onírico. Análisis de La dolce vita (1960)

Inicio del taller: 
ENERO: desde el jueves 9 (hasta el 30 de enero)
FEBRERO: desde el miércoles 12 (hasta el 5 de marzo)

Horario: 19 a 21 hs.

Lugar: Barrio de Almagro

Las vacantes son limitadas y se reservan con inscripción previa.

*Es importante asistir a los encuentros con las películas vistas, por eso como parte del taller también ofrezco copias de las películas (que pueden retirar en el momento de la inscripción).

Para más detalles llamar al teléfono 4865 - 3317 (dejar nombre y número de contacto), o escribir a: datosparacaro@yahoo.com.ar

Saludos desde la ruta...

...hacia un nuevo festival.

Nos vemos en unos días.

Imperdible: retrospectiva Pierre Étaix

Hace tres años, en el festival de cine de Mar del Plata, cuando vi la extraordinaria YOYO, del francés Pierre Étaix, sentí lo que muchas veces siento al encontrarme con un maestro que no conocía: la culpa por mi ignorancia mezclada con la ansiedad por devorar toda su obra. Y luego el oasis del festival desaparece, y la vida nos atropella, el tiempo corre demasiado rápido, y crece en uno la certeza de que no nos alcanzarán los años para ver todas las películas maravillosas que deseamos ver. Perdón si me puse un poco melancólica, pero creo que el recuerdo de YOYO me transmite eso: el anhelo loco de poder despertar (¿volver a nacer?) cada nuevo día en una sala de cine.

La noticia es que Pierre Étaix viene este año al festival de Mar del Plata, y además estará presente en Buenos Aires para acompañar una retrospectiva suya en la sala Leopoldo Lugones. "Redescubrir a un genio" es el título de esta muestra que comienza este martes 19 de noviembre, integrada por cinco largometrajes y tres cortos de este gran representante de la comedia francesa. El ciclo arranca con el film El puerto, de Aki Kaurismäki, en el que Étaix tiene una participación especial.

Programación:

Martes 19
El puerto (Le Havre, 2011) (93')
Dirección:  Aki Kaurismäki
A las 14:30, 17 y 19:30 hs

Miércoles 20
El suspirante (Le Soupirant, 1963) (83’)
A las 14:30, 17 y 19:30 hs
La función de las 19.30 será presentada por Pierre Étaix.

Jueves 21
YOYO (Francia, 1965) (92’)
A las 14:30, 17 y 19:30 hs

Viernes 22
Basta la salud (Tant qu’on a la santé, 1966)(68’)
+
En plena forma (En pleine forme, 1966/2010) (13’)
A las 14:30, 17 y 19:30 hs.

Sábado 23
Ruptura (Rupture; Francia, 1961) (11’)
+
Ese loco, loco deseo de amar (Le Grand Amour; Francia, 1969) (87’)
A las 14:30, 17 y 19:30 hs.

Domingo 24
Feliz aniversario (Heureux anniversaire, 1962) (12’)
+
País de Cucaña (Pays de Cocagne, 1971) (76’)
A las 14:30, 17 y 19:30 hs

El ciclo se desarrolla en la sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530) - Las entradas cuestan 25 pesos (15 para estudiantes y jubilados que tengan credencial del complejo).

Para más detalles sobre el ciclo y las películas, consultar la web del teatro.

Se estrena Tanta agua

Este jueves, en la sala Leopoldo Lugones (Av. Corrientes 1530), se estrena Tanta agua, estupenda película uruguaya exhibida en el Bafici de este año. 

Aquí puede leer una nota sobre el film, con una entrevista a Ana Guevara, una de sus directoras.

La película tendrá 19 funciones:
Jueves 14 de noviembre, a las 14.30, 17, 19.30 y 22.

Viernes 15, sábado 16 y domingo 17, a las 14.30, 17 y 19.30.
Del martes 19 al domingo 24, a las 22.

Elia Kazan en la sala Lugones

Kazan Olvidado es el nombre de este breve ciclo que estará compuesto por seis films poco difundidos del cineasta Elia Kazan (1909–2003), recordado especialmente por sus grandes clásicos, como Un tranvía llamado deseo (1951) y Nido de ratas (1954), pero cuya obra incluye otros films destacados que ameritan una revisión.

“Después de dos décadas en las que su influencia comenzó a desvanecerse en la memoria oficial, podemos volver a ver las películas de Elia Kazan exclusivamente a través de la luz del cine. Y bajo esa luz, su fuerza y su belleza no hacen sino incrementarse”. Kent Jones en "Cinematheque Ontario" (2009). 

Programación: 

Lunes 11 
Lazos Humanos (A tree grows in Brooklyn; 1945) 

A las 14.30 y 19.30 hs 

Crónica de una humilde familia de inmigrantes irlandeses que viven en Brooklyn a comienzos del siglo XX. El padre es un hombre amable pero con problemas de alcoholismo, la madre es una luchadora, mientras la hija pequeña es una brillante muchacha que sueña con otros horizontes.

Crimen sin castigo (Boomerang!; 1947) 

A las 17 y 22 hs

Dijo James Agee: “Una obra de arte periodístico. Un triunfo notable para Dana Andrews en su mejor interpretación a la fecha, acompañado de un reparto de actores de Broadway que entrega el más inmaculado puñado de actuaciones naturalistas que haya visto en una película”. 

Martes 12 

Lo que la carne hereda (Pinky; 1949) 

A las 14.30 y 19.30 hs 

Pinky, una mujer de raza negra de piel clara, se hace pasar por blanca, pero no le será tan fácil ocultar su verdadera raza cuando regresa a su hogar natal en Mississippi, a una ciudad llena de fanatismo, prejuicios y racismo. 

Pánico en las calles (Panic in the Streets; 1950)

A las 17 y 22 hs 

Una noche, en los barrios bajos de Nueva Orleáns, un partido de póker termina con el asesinato de un inmigrante. A la mañana siguiente, el doctor Clint Reed (Richard Widmark) confirma que el muerto estaba infectado con una enfermedad que disparará una operación de prevención en la ciudad. 

Miércoles 13 

Un rostro en la muchedumbre (A face in the crowd; 1957) 

A las 14:30 y 19:30 hs 

Una cadena de televisión convierte en estrella televisiva a un vagabundo. La sorprendente reacción del público hacia el personaje cambiará su vida por completo, convirtiéndolo en una víctima de los medios de comunicación. 

Río salvaje (Wild river; 1960) 

A las 17 y 22 hs 

Chuck Glover es un agente de la organización del Valle del Tennessee, encargado de expropiar las tierras ribereñas. El objetivo es construir una presa hidroeléctrica que garantice el progreso de la región. Pero este proyecto exige la demolición de las viviendas de una pequeña población y la evacuación de sus habitantes.

El ciclo se desarrolla en la sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530) - Las entradas cuestan 25 pesos (15 para estudiantes y jubilados que tengan credencial del complejo). 

Para más detalles sobre el ciclo y las películas, consultar la web del teatro.

Jean-Louis Comolli en Buenos Aires

Este lunes 4 de noviembre comienza la muestra Jean-Louis Comolli: filmar para ver, dedicada al fascinante teórico y cineasta francés, quien vendrá a Buenos Aires para presentar personalmente varias de las películas inéditas que integran el ciclo. Representante de la segunda generación de la revista "Cahiers du Cinéma", Comolli (Francia, 1941) es el único -fuera de los pioneros de Cahiers (Godard, Truffaut, Chabrol)- que consolidó simultáneamente una vasta e influyente obra teórica y una práctica cinematográfica con más de 40 documentales realizados. El ciclo se desarrollará hasta el domingo 10 en la sala Lugones del Teatro Martín, y cuenta con la coordinación del investigador Gerardo Yoel. Asimismo se anuncia la proyección de Ante los fantasmas (Face aux fantômes, 2009) continuada por una clase magistral en la Universidad Nacional de La Plata. Comolli también dictará el seminario Cine e Historia, contra la televisión en el Museo Fortabat (del 5 al 7 de noviembre, de 10 a 13 hs).

Programación – Todas las funciones se realizan a las 14.30, 17 y 19.30 hs 

Lunes 4 
No dejar de ver (si es posible) – 1963-1973: Diez años de Cahiers du cinéma (Francia, 2011)
Dirección: Jean-Louis Comolli

La función de las 19.30 horas tendrá una introducción a cargo de Jean-Louis Comolli, Jorge La Ferla y Gerardo Yoel.

Martes 5 
Jean-Louis Comolli, ¡filmar para ver! (Francia, 2013)
Dirección: Ginette Lavigne.

La función de las 19.30 tendrá una introducción a cargo de Jean-Louis Comolli, Carmen Guarini, Eduardo Russo y Gerardo Yoel. 

Miércoles 6
Doble programa 

Escenas de la caza del jabalí (Bélgica/Francia, 2007)
Dirección: Claudio Pazienza.
+ 

Disneylandia, mi viejo país natal (Francia, 2002)
Dirección: Arnaud des Pallières. 

Jueves 7 
La vida real (en la oficina) (Francia, 1993)
Dirección: Jean-Louis Comolli. 

Viernes 8 
Los caminos de la infancia (Francia, 2011)
Dirección: Jean-Louis Comolli y Doriane Roditi-Buhler. 

Sábado 9 
Ante los fantasmas (Francia, 2009)
Dirección: Jean-Louis Comolli. 

Domingo 10 
A Fellini, romance de un espectador enamorado (Francia, 2013)
Dirección: Jean-Louis Comolli.
La función de las 19.30 hs tendrá una introducción a cargo de Jean-Louis Comolli. 

El ciclo se desarrolla en la sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530) - Las entradas cuestan 25 pesos (15 para estudiantes y jubilados que tengan credencial del complejo).

Para más detalles sobre el ciclo y las películas, consultar la web del teatro.